瑞士「真實影展」遠在1969年即成立，每年四月於瑞士日內瓦湖畔（Lac de Léman）小鎮Nyon舉辦。這個小鎮人口約20,000人，緊鄰著瑞士第二大城日內瓦。兩地相距約25公里，大約是搭乘15分鐘的火車車程。時至今日，真實影展已持續舉行了45年之久。原本僅為地方上的電影社團活動，後來轉型為影展活動。當初的影展名稱為「Nyon國際紀錄片影展」（Nyon International Documentary Film Festival），而後來廣為人知的名號「Visions du Réel」，則是於 1995 年才換上的名稱。

真實影展在創立初期，策展的政治動機十足強烈。因為創辦者相信，紀錄片擁有改變社會的力量。因此，影展的初衷不僅在於推廣瑞士電影，更積極協助放映來自遭鐵幕箝制國家的影片，讓世人瞭解鐵幕內的真實世界。

真實影展的發展，與歐洲的歷史演變息息相關。隨著1989年柏林圍牆的倒塌，與1991年蘇聯解體，現實世界的變化也反映在歐陸紀錄片的創作上。紀錄片影像的創作由本來圍繞政治以及意識形態的主題，轉向反映生活現狀、關照人的處境、處理較為私密的主題。來到這樣的歷史時局，影展的轉型似乎無法避免。若要帶領Nyon影展面對全新的世局，以及掌握紀錄片創作的新潮流，自然需一位新的掌舵者來接手這艱困任務。1995年，一位日內瓦影評人Jean Perret 接下策展人一職，憑藉著卓越的領導能力與過人的美學視野，他為當時已歷經27個年頭的影展，重新注入鮮活的朝氣。

Jean Perret 甫上任，即重新將影展命名為「Visions du Réel」，其中Visions字尾複數形的「s」，有著象徵「真實的多重視野」的意義。藉由這新的名稱，這個影展向全世界揭示：他們對所有以真實為材的影像敞開大門，擁抱以各種觀點凝視現實的電影作品，也帶有向壟斷真實詮釋權的傳統紀錄片美學告別的意圖。在 Perret 任內的十六年，「真實影展」便以這個新名字一躍而升，成為世界級的重要影展。

2014年，瑞士真實影展歷史已邁入45年，也是更名後的第二十届。三年前，策展人也由Jean Perret，換成義大利籍的策展人Luciano Barisone。這位義大利策展人在接下重擔後，除了需維護影展獨特的風格與地位外，勢必也須思考如何為這45年歷史的影展注入新意。

「擁抱大眾」似乎是策展人Luciano Barisone 的影展策略，我們可隱約由新的節目設計，與影展主題中，看見這個跡象。

今年影展總共放映了170多部電影。其中共有116部不分長度的影片參與競賽，59部片入選觀摩單元，同時，片單裡共有116部首映作品。今年，選片小組花費一整年在世界各地挑選影片，在3500多部影片中選出最終的片單。在觀賞了大部份影片後他們發現，許多導演在各自關照的現實引領之下，皆不約而同地將攝影機指向一個主題––「愛」。

開幕片與閉幕片的安排，更是標示了這個主題。影展在這邊選擇了兩部探討愛情的作品，開幕片《Love & Engineering》，有著愛情與科學的對話，並以詼諧幽默的角度來探討工程師的愛情生活。閉幕片《A Mile End Tale》則是關於一個面臨分手抉擇的男孩，自他的故事出發，對愛情提出疑問，觀眾則跟隨他的腳步，在黑夜的城市中漫游，邂逅陌生人，相互分享對於愛的想法。今年，「愛」這個人類恆古不變的命題，似乎讓真實影展顯得更平易近人。

影展單元「Grand Angle」是今年增設的節目，匯集了在世界各大知名影展贏得好評的佳作。從片單看來，單元策劃的動機，應該是降低人們參與的門檻，吸引更多人前來，使每個人都能在此找到各自的紀錄片。這些作品都有著很好的說故事技巧，很容易就可以進入，開閉幕片都劃分在此單元，除此之外，荷蘭、比利時合拍的Ne Me Quitte Pas，這部征服阿姆斯特丹紀錄片影展觀眾的幽默搞笑的紀錄片也在其中。

片單中有部西班牙片《The Creator of the Jungle》，是部令人嘆為觀止的奇片。影片紀錄一位名為 Garrell的西班牙男子，一直夢想著成為森林泰山，回歸遠始生活。他選擇在一條公路旁的山區，打造屬於自己的叢林王國，並利用木頭與樹枝，搭建出驚人的迷宮、樹屋、隧道，還運來許多動物扮演這個王國的子民，但由於官方認定這些建築有危險，勒令他拆除，而他也絲毫沒有抗拒，隨即親手毀滅自己一手打造出的王國。但是，對原始生活的渴求讓他在隨後不久，又再次原地重建，蓋好後，卻又還是脫離不了拆除的命運。就在45年之間，他不斷重複這蓋了又拆、拆了又蓋的循環，但卻從未顯露疲態，反而樂在其中。有位美國藝術史學者看見了他後來打造的作品後，驚為天人，認定這是世上重要的原生藝術。透過攝影機，我們見證一個生命悠遊於再真實也不過的想像世界。

另外，掌握時下議題，也是本屆影展側重的選片方向。今年影展特別策劃一個單元聚焦於突尼西亞。共邀請了15部影片一同見證這唯一革命成功的阿拉伯國家。革命雖成功，但混亂接踵而來，整個社會還在追尋尚未可見的安定，而這樣不安穩的狀態，在社會各個層面隨處可見，包含電影。片單裡有部風格獨特的三分鐘短片〈The Wall Would Ask You: Are You Ok?〉在片中，導演利用攝影機記錄了一道塗鴉牆，這道牆在革命期間化身為社會的意識，需多塗鴉藝術家利用這道牆表達自己的聲音以及對於社會、國家的看法，各式言論紛陳，塗上、抹去、交疊，影片不僅展示了革命的進程，也凸顯出它本質上的複雜性。 特殊的題材與形式相遇，不論你是喜歡塗鴉藝術、創意影像以及關注革命議題的人，都可在此片找到樂趣。

類似這種議題式的影片，還有《I am Femen》這部紀錄烏克蘭一個經常進行裸體抗議的女子人權團體的作品。此片也獲得瑞士最佳革新影片。這些降低參與影展門檻的方式，似乎在今年開始有效地反應在觀影人次上，今年來訪人數為歷年之最，共約33,000觀影人次，相較2013年，增加了17%。

除了觀眾的參與，作為一個世界級的紀錄片交流平台，真實影展在今年接待了來自51個不同國家的電影人士，1000位專業人士，影展也企圖提升專業人士的參與和交流。

在Luciano Barisone上任後，他將國際競賽分成長片、中片、短片三個類別，其他還有「瑞士最佳影片」、「最佳新人導演獎」、「Etat d’Esprit獎」、「第一部影片」、「跨宗教獎」、「國際最佳新進影片」、「瑞士最佳創新影片」、「瑞士最佳製作影片」等獎項，總奬金高達120,000瑞士法郎（約4百多萬新台幣）。影展似乎想要藉由獎項增加、獎金的提高，來刺激影人的參與以及影展的話題性。

長片大獎得主關注墨西哥咖啡農村

這次國際競賽的長片大獎，由墨西哥紀錄片《Coffee》，摘下桂冠。故事發生在南美洲的熱帶雨林，在墨西哥Cuetzalan的一處村落中，Jorge是唯一在當地大學就讀法律系的原著民，他希望有朝一日成為律師來服務自己的家鄉。他的16歲妹妹懷孕了，正猶豫著是否要輟學獨自撫養小孩。這個村落的居民都以清洗與烘烤咖啡豆為業，身為原住民，他們長期遭受歧視。攝影機默默穿梭在人們周遭，傾聽他們日常生活的種種憂煩。導演Hatuey Viveros Lavielle為片中家庭的舊識，在他們的高度信任下，導演用一種親近的角度，慢慢剝開事物的表象，捕捉那溢散的人生況味。評審在得獎理由寫下：「這部影片深入當地原住民家庭的核心，展示了在傳統與解放、離散與回返之間的糾結，那極具耐心的凝視令人動容。」

瑞士導演 Dindo 受頒大師獎

除了競賽奬項外，主辦單位又增設「真實大師」獎，頒予生涯有著傑出貢獻的紀錄片工作者。今年獲頒者為瑞士紀錄片導演 Richard Dindo。Dindo 生涯的紀錄片創作高達 34 部，他經常於閱讀中獲得創作靈感，習慣透過閱讀與主角相遇，然後藉由影像再現、揭示那隱遁於文字外的真實。 在 Dindo 所有的作品中，便有13部紀錄片便是由文學或是傳記作品出發，透過虛構、文學的世界，拓展紀錄片中真實的疆域，並持續地探索與辯證影像與語言間的關係。他特別獨鍾傳記題材，企圖精煉影像傳記的書寫，本次影展選了其中5部傳記影片向他致敬。其中三部作品分別關於十九世紀法國詩人韓波、切．格瓦拉與詩人惹內。

歷年創作者攜手捕捉「未來的足跡」

除了在節目的安排上與競賽制度的調整來吸引更多專業人士的參與，影展也試圖和曾經參與影展的影人保有更積極的合作。今年特別召集過去曾參與影展的影人，一同執行名為「Trace du Futur」（未來的足跡）微紀錄片計劃。影片作者各自尋找 、詮釋關於未來的真實， 這些作品像是某種臆測、預言，拓展了紀錄片的疆界。一般以紀錄精神為主的作品，時間軸都是朝向著過去，這些名為「未來足跡」的的影像，倒是重新玩味我們對於影像、記憶、時間的既有想像。這些影片題材多樣，呈現的的風格不一––溫柔、神秘、不安、詼諧。每段影片時間長約三分鐘，普遍於影展國際競賽長片放映前播放。

被忽略的亞洲

但攤開影展片單，可以發現今年的亞洲片比例偏低，而其中入選影片較多都是西亞與中東地區的作品，鮮少見到遠東的作品，總數甚至不到五部。這樣的選片品味，突顯影展還是回到歐洲本位的角度，傾向關注東歐、阿拉伯世界、以及中南美洲地區。如果回到策展人對影展的定位思考，此次的競賽獎項，拉丁美洲國家贏得六個獎項、中東國家兩個、東歐國家三個獎項、瑞士贏得四座獎項。某種程度也突顯出策展人在背後對影展地位重新部署的思維，似乎側重於拓展東歐、拉丁美洲、南歐的影響力。 

「大師工作坊」一向是影展展現其美學視野的單元。這次真實影展的工作坊邀請兩位傑出影人前來分享創作心得，一位是來自美國的紀錄片導演Ross McElwee，另一位則是比利時導演Pierre-Yves Vandeweerd。

Ross McElwee出生於1947年的美國北卡羅來納州，畢業於伯朗大學，並於麻省理工學院取得電影製作的碩士學位。他的作品全都以其家鄉所在地––美國南方––為背景拍攝而成。最受讚譽的作品為《Sherman’s March》。今年影展主視覺即是自此片擷取的影像。主要作品有《Charleen》（1978）、《Sherman’s March》（1986）、《Something to do with the Wall》（1990）、《Time Indefinite》（1993）、《Six O’clock News》（1996）、《Bight Leaves》（2003）、《In Paraguay》（2008）、《Photographic Memory》（2012）……等等。

McElwee的作品皆為自傳紀錄片，慣於從自身生命出發，喜愛手持著攝影機紀錄自己的生活。身處好萊塢大本營的美國，電影對他的影響似乎遠不及文學。他的創作承襲較多的美國現代文學傳統，將攝影機後方的「我」投入影片故事中，對說故事的自己有高度的自覺，不將攝影機與自己變成客觀的旁觀者，攝影機是拍攝者眼睛的延伸，藉由它記錄自己與當下世界的關係，然後利用剪接、旁白來對景框裡的影像進行提問、思考、表達，雖作品都是關乎個人，但卻不侷限於個人，往往觸及更大的社會、國族甚至存在性的命題。

另一位則是比利時導演Pierre-Yves Vandeweerd，1969年出生於比利時東部城市Liège，大學研讀新聞學、人類學以及非洲文明。其作品大都以非洲撒哈拉沙漠地區為背景，關注非洲地去的發展，曾於2004年至2008年間，每年在塞內加爾舉辦紀錄片工作坊，培養該國年輕紀錄片工作者。共有七部紀錄片作品：《Nemadis, des années sans nouvelles》（2000）、《Racine Lointaines》（2002）、《Closed District》（2004）、《Le Cercle des Noyés》（2007）、《Les Dormants》（2009）、《Territoire Perdu》（2011）、《Les Tourmentes》（2014）。其中《Les Tourmentes》也贏得今年國際長片競賽的「特別獎」。

不同於McElwee都以自己與家鄉為創作題材，Vandeweerd的作品幾乎都在他方的荒野拍攝而成，經年在廣大的疆域間不斷移動，自非洲撒哈拉到法國Lozère山區，在這些地方有著人因生活不得不常年在荒漠流浪們，也有些人是因歷史因素而遭到放逐。他前幾部作品背景為西撒哈拉地區還有蘇丹相繼發生的戰亂，然而這些現實並非其影像關注之處，真正吸引他目光的是在這些現實之下所發生的事、所關係到的人，他試圖以攝影機捕捉那遭大漠掩蓋的真實---人的處境，那同時俱有堅強與脆弱的矛盾的詩意存在，在無垠的大地、無盡的空無中，生命的消逝成了見證時間存在的唯一憑藉，因此，他的影像始終縈繞在那介於生死邊緣的存在。在他眼中，在這個遭到理性、邏輯宰制的世界中，唯有藉由詩的力量才能逃脫，而他用電影寫詩，利用充滿高度實驗性的影像與聲音，去抵抗荒漠世界的無常，招喚幽靈，呈現那不可見的想像力量。

數位工具的運用是這次影展特色之一。在每個人的影展通行證上，都有一組QR Code，一般購買通行證的參予者都能獲得一組帳號密碼，可於看片前一天用這組帳密在網路上預約觀影場次，不需辛苦地在購票處排隊劃位。而放映廳入口的驗票人員都會手持IPOD，進場前，工作人員只要對著通行證上的QR Code掃過，即可進場。同時，每個影廳也都有安裝WIFI，只要有行動裝置都可隨時上網選片劃位，這為影展這種可能大量看片購票的活動增添很多便利。

這種數位科技的運用也減少了印刷品的數量。很多影展都會在影展期間製作日報，以每日影展的大小活動盛況的報導，來與影展與參與者溝通。真實影展現場看不到這樣的刊物，但不代表這些資訊不存在。影展利用各種社群平台來傳達更立即的報導與互動，所有的資訊都迅速在臉書、推特、Instagram發佈，藉由現場的無線網路與行動裝置，無時無刻都能掌握剛發生或正在發生的活動，也可馬上回覆或提問。

除了現場即時訊息，在影展場地還有Media LIbrary 看片室，提供約30個座位供專業人士選片使用。影片資料庫全面雲端化，隨選即播，大約有400部影片在這個看片系統內，除了今年影展各單元的作品外，也包含了選片小組特別遴選進的影片，全都是在近兩年完成的作品。這個系統除了可讓專業人士快速瀏覽有興趣的影片外，系統也提供了詳細的影片資料，有興趣的話，可立即取得相關聯繫資訊且立即於該平台發信，但這個系統比想像中更積極地進行媒合的工作，只要有人在此系統瀏覽某部影片，該部影片的導演或發行商就會收到訊息，並藉此主動向觀看者自我推薦。系統每天也都會將該天所看過影片資訊發電郵到你信箱供參考，非常便利。

「真實之村」餐廳有面由LED燈搭建起來的大面電視牆，不斷輪播各種影片。不論在白天或夜晚，這面牆都不停展示影像，看起來也都很清晰。這座LED墻就搭在餐廳正門，每當你要走進餐廳就仿佛要走進影像世界般，有種超現實的錯覺。這種利用科技來增添現場氛圍或氣勢，相當令人印象深刻。而台灣，這個生產數位工具與LED燈的大國，如果能加強資源整合，也許可在這樣的藝文活動中展示自身的厚實的產業實力，也有助於藝文活動的的想像力與創意的運用。

作為影展，展示影像為其主要功能，大部份都是由影廳放映錄製好的影片，而影展本身，這個「活動」，也在當下不斷衍生記憶。影展團隊有極強的紀錄意識，不斷的以拍立得、數位相機、攝影機、各種機器捕捉流逝中的時間，以及正在發生的現實。並於當天、隔天、或短時間內，便立即將影像張貼於牆，播放於個空間的顯示螢幕、上傳到社群網站。參與者不需等待回家後才經由自己或朋友手中的相機來回憶這經歷，而是在當下及透過媒介化、景框化的影像來記憶、回憶、思考。這種當下、即刻性，正反映出當代世界所處的不同意識空間，時空感的改變，影響了人類記憶的方式、自我的認知、與世界的關係。其中最有趣的，是一台像是拍大頭貼的機器，擺設於影展主場地戶外。你想的話，可彎身鑽入其內，按下按鈕，即可紀錄片刻的自己，片段的生命，說出自己對真實的看法。紀錄隨處發生，任意發生，參與影展的人不再僅是被動地旁觀他者的記憶，也可製造並觀看屬於自己的影展時光。這相當程度表示出，真實影展渴望與參與者一起編織更為緊密的記憶，記錄更完整的、 流動的、異質性更高的生命經驗，或歷史。

新舊兼容的影展

新的與延續性的精神與內容兼容，一向是真實影展努力的方向，而這個追求也可在一些影展的細節中看出端倪。大部份影展在每年新一屆的影展起跑時，都會推出主視覺來強調某種特有的概念或精神，而這些主視覺的意象則會運用在大大小小的文刊物品上，供觀者辨識也進行溝通，同時傳達訊息。這樣的視覺設計，在當代的影展工作中，實屬重要一環。以真實影展來講，每年也都會推出新的主視覺來呈現該年影展的特色。他們的傳統，即是使用每年工作坊大師影人作品中某個片段作為設計素材。今年就是擷取美國紀錄片大師Ross 的作品《Sherman’s march》來作為影展意象，三個小孩於室內戴著奇怪的眼鏡看著畫面之外，影像也被醞染成紅色，與影展主色調一致，此種將素材自原本的脈絡中取出，放在新的框架裡，產生了新意，又像是為了今年的重點節目埋下了線索，增加懸疑。

今年新奬座的設計，也在新意與延續的概念上下足功夫。這一屆的真實影展重新設計了奬座，為了與過去歷史連結，特意選用古羅馬時期的硬幣作為獎座設計基礎。硬幣上魚的圖案即是Nyon在羅馬時期的代表徽章，獎座是由瑞士藝術家Bernard Bavaud所設計。

影展與小鎮的關係

影展開幕當天，一位官員致詞提到：在大城市中，影展往往顯得渺小，但在Nyon小鎮中，影展卻顯得巨大，這句話相當令人莞爾，但真是如此。由於小鎮腹地不大，影展活動場地都相距不遠，除了開閉幕會館需步行20分鐘才能抵達外，其他放映廳僅5到10分的步行距離。也因此，在參與影展的同時，也很容易藉此認識這個美麗的湖邊小鎮。今年影展為了讓這樣的關係能夠緊密，更舉辦了櫥窗擺設比賽，透過這個競賽，使得當地居民更有參與感。今年一共有50多家商店一同參與， 許多別具巧思的櫥窗擺設除了為影展加分，更可吸引人們駐足觀看，說不定還能促進小鎮經濟。

法語世界為主的影展

雖號稱國際影展，但親臨現場後才發覺，法語才是真實影展最主要的語言。也許，我們對於英文作為國際語言的理解在此需要調整。以歐陸來講，法文與德文也許稍佔優勢，但從實際面來看，在一個參與者大部份來自法語文化圈的影展，英文的必需性自然不高，儘管如此，影展在英語資訊或甚至德語資訊都相當完備，大部份非法語國家的來賓還是能掌握活動的資訊。只是，影展活動的各式講演與座談，時常以法語進行，一旦不懂法語，難以真正深入參與活動。

相較於台灣的影展常見的搶票、劃位、趕場的焦慮感，位於小鎮的真實影展倒顯的緩慢、悠閒、放鬆。

在這裡，經歷漫長的四十五年，影展早已是當地生活中的一部分，如同固定舉行的慶典一般的存在。 節慶氣氛中，大家好像都帶著一份閒情進出影廳，相約、相遇，談話中交織著各種嚴肅輕快與善意的敏捷應對，一支菸、一杯酒、一杯咖啡，無所不談，寫寫意意，幽默自然。加上小鎮、影展與周遭地景的高度融合，看完電影後走出戲院後，可輕易在不同空間中悠游，也許選擇留在會場的露天咖啡座或是在某個台階坐下、也許在小鎮街上閑晃、或者漫步到鄰近的湖畔，在不同的空間、不同的風景中穿梭。

小鎮民宿之行　遇見超資深影迷

由於影展期間，小鎮住宿一位難求，因此筆者大半時間都住在日內瓦，每天早上花上15分鐘搭火車到影展小鎮。但其中有三天運氣還算不錯，訂到了小鎮旁的民宿，民宿主人同時也經營著農場，偌大的農場，美麗遼闊。牛、羊、馬各種牲畜在牧場中自適的或站或臥，每天都覺得自己有如走入一幅永恆的油畫。

而早上，我們都會在餐桌上和民宿客人一同用餐，由於這機緣巧合，我們遇見了一對來自瑞士德語區的老夫婦，以及來自法國史特拉斯堡的一對影人，他們也都是因為影展而下榻。其中那位老伯伯居然已經連續45年參與影展活動了，換句話說，他自影展第一年開始，年年都從德語區前來，從無錯過影展。眾人得知後，都佩服他老人家對影展的忠誠與熱情，還開玩笑說他是不是就是地下策展人。他每天都會在餐桌上與大家分享觀影心得，也時常和那對法國人抬槓，捍衛自己喜愛的影片。而這位老先生也聊到這幾年影展換了策展人後，片單整體素質似乎有滑落的現象。他覺得之前的真實影展，片單內容看似紛雜不一，卻往往能夠迎來許多生猛、顛覆性高、能撞擊觀眾的作品。這幾年的改變，鮮少遇見能挑戰自己世界觀的電影，他毋寧是感到失望的。來自法國史堡的先生為影展選片而來，也已經參加好幾次真實影展，他倒是覺得影展的片單變的較為一致、連貫，整體性強，他覺得不差。

想到真實影展能夠擁有像老伯伯如此忠誠的影迷，是何等幸運的事。在他身上，我們看見影展的過去、現在，他的生命不僅是影展的一部分，也是影展的活歷史。一件事情堅持了45年之久，這是何等毅力與熱情才能達到的成就，不論是影展本身或是影迷的熱情，這份堅持，都值得為他們鼓掌，這種講究時間、積累，不就是紀錄片的精神？

或許當下還無法斷言影展這些新的改變是負面或正面，以真實影展四十五年的歷史來看，策展人接手時間還算短暫，這些改變也許都可看做影展自身的思辨過程，也許幾年後再回頭看才能精確判斷。但從真實影展漫長的發展中，我們可瞭解到假使影展是個生命體，必然無法脫離現實而存在，必須勇於爬梳自身與所處時空間的關係，對於真實或者活動本身，必須進行各種哲學性的提問，而在此前提下，選擇自己的道路，勇敢的前行，每一個抉擇、每一步向前都將蘊藏未來變化的可能，過程中我們需要記憶、需要看、需要多重的視野，並期待與真實的相遇。

（作者為台灣國際紀錄片影展國際聯絡人，「2014 台灣國際紀錄片影展」將於10月9日 -10月19日，在台北舉辦）