我是以戲劇界代表被邀請擔任評審，這樣的評審只有一個名額。不知道為什麼台灣電影界的獎要找戲劇界的人來評，讓人想起好萊塢電影剛開始的時候，也是沒有表演方法或理論，兩者都是從劇場借來的。可是我並不覺得台灣的電影是這樣看這個事情。有趣的巧合是，我負責的獎項恰好就是主要五個Acting：『最佳男/女演員』、『最佳男/女配角』、以及『最佳新演員』。我們這組的評審們在大會安排的播映時間內看完片後，開會、討論。另外每位初選評審都要投票選出一個劇情片。我另外又支援了『最佳造型設計』那一項的評審。我可是很努力地看了整整一個月的電影！

范冰冰在《心中有鬼》表演很強，我個人認為最後得獎名單並沒有什麼令人意外的結果。初審和決審頗為一致，沒有落差。至於你們說的人氣、呼聲，可能只是經紀人或電影公司炒作，也可能是媒體沒事找新聞點，跟評審意見沒有關係。每位評審都簽署保密協議，不可能事前透露消息。其實大家看片都快累翻了，哪還有力氣去問其他人意見，然後對外放消息？有件事倒是我覺得有趣的。這跟我的角色有關──也就是，為什麼台灣電影界的人需要一個戲劇界的人來評論他們的表演？在評審過程裡，我可以感覺到電影人似乎對「劇場表演」是有偏見的。例如當我們討論到某位候選人時，有一個電影導演出身的評審說：「某演員的表演是很誇張、劇場的表演」，我當下按捺心裡不高興，回應他：「很抱歉，那不是劇場的演法，那叫做亂用力。」我說劇場沒有那樣的演法，如果搬到劇場的話，也是個Bad Acting，更何況那個人不是劇場出身的。我不知道為什麼他們要這樣說，而這也不是我一次聽到這種對劇場的偏見。我跟一些做電視劇的人聊到這部份時，他們也總是認為劇場的表演很誇張，而且他們不會稱為「劇場」，而是叫做「舞台劇」。那是什麼啊？我想他們指的大概是反共抗日那種話劇吧？奇怪的是，既然電影人對劇場有這樣的偏見，為什麼還要找劇場的人來評？或許他們是希望有更專業的表演評審觀點進來，即便在對「舞台」有個誤解，他們還是覺得它是一種表演的專業。

這次在討論『最佳劇情片』、『年度傑出台灣電影』、『年度傑出台灣電影工作者』獎項時，談到「身份」、「血統」的問題，我們在做這樣的獎項評審的時候，第一個浮現的問題是：哪一個片子是「台灣電影」？──這就是金馬獎自打嘴巴、很尷尬的地方。其實我很喜歡今年金馬獎的一點是：報名規定開放很大。我不是很清楚國際間各影展做法，但就我所知，很多地方性的電影獎都是以本地電影為主，參加奧斯卡競賽的一定是要由美國人擔任主要劇組的作品、香港影展也是，他們都有地域性的要求。但像坎城影展就沒有這個地域性的問題，幾乎是全世界的電影都可以去，對吧？所以這裡有兩種極端：一種是以鼓勵本地電影與產業為主的，另一種是完全開放、有一定的國際電影趨勢指標性的。

台灣的金馬獎今年很大膽地開了大門，所有跟華語、華文世界有關的，或者是使用華文的電影都可以參加，這樣的定義很廣、很棒；可是一開放之後，好像就有人擔心這樣會導致台灣電影沒有被鼓勵到、反而被壓縮了，所以就頒了一個『年度傑出台灣電影』。評審們接著就必須確認哪部電影是「真的台灣電影」， 要注意電影製作團隊裡有多少人持有台灣中華民國國籍，可以被納入台灣電影、或可認定為屬於台灣電影工作者。但我覺得這樣很無聊。我們是在審作品還是在審DNA啊？這是第一層問題。

第二層問題是：有些評審擔心，部份電影集三千寵愛在一身，要不要稍微把資源平均一下，讓別人也有得獎？我個人覺得這是多慮，難道這個『年度傑出台灣電影』是「安慰獎」嗎？我想可能很多人不同意我，評審團裡大家的想法也不一致，但我個人覺得尷尬的是，你讓人家拿個獎，卻又暗示人家，他拿的年度傑出並不是那年最傑出的，是個「安慰獎」，這是不是很糗？ 你們可以去問：為什麼『年度傑出台灣電影』不是《色‧戒》？它很傑出啊，評審結果得了那麼多項獎，再以通俗的眼光來看，它賣的那麼好、國際知名度那麼高，為什麼不是『年度傑出台灣電影』？那不就是暗示，這個獎的得獎者，未必是所有今年入圍裡面最好的電影囉？那這個獎到底是什麼意思？還是說，金馬獎不等於台灣電影獎，所以要頒的台灣電影獎？那要不要頒個新加坡電影獎？還是年度傑出亞洲華人電影、年度傑出美洲華人電影獎什麼的？你們懂嗎？我是真的不懂。

這我無從比較起，評審明年不能重複，所以我很難說有沒有比較好的方法，但是可以從我這個位置來看我今年所看到的台灣電影。在這之前，我是那種不會看台灣電影的人，雖然我以前很喜歡看台灣新電影，但這幾年幾乎沒有接觸。在看八零那一代人的作品時，我就很討厭台灣電影處理演員的方式。我覺得那些導演是不調教演員的，這跟大家在媒體上看到李安對演員去論述怎樣表演是很不一樣的。

台灣的新電影導演最讓我受不了的是：我不知道他們在教演員什麼東西，很多演員只會演某個導演的電影，去演其他導演的電影就完蛋，或者別的導演根本不會去找他。好導演可以擁有自己長期合作的演員，但是演員不能不流通啊！如果某些演員只有在某些特定導演的攝影機下才能呈現特定質感，那是不是說，他們的表演可能是有問題？我說「可能」是因為我不在現場，我不知道那些導演實際上是怎樣帶演員的。但我不能理解的是，為什麼那些演員不能去演其他導演的作品？這究竟是因為演員的能力有限，所以只能在少數導演的鏡頭下才能有好的發揮呢、還是這個導演本身開發演員能力是有限的？導演不去調教演員、不去開發演員的表演潛力，我覺得某種程度上只是透過攝影機在利用演員的某些特質。放大到整個生態來講，這種選角方式會限制電影表演、會沒有辦法讓演員發揮，他沒有辦法變可用的專業資源、可流通的人力。電影是非常昂貴的創作、是一個工業，雖然大家可能都知道在台灣充其量是手工業，但電影就是這麼昂貴，選角怎可輕忽？怎麼可以不懂如何創造明星？不去調教演員，無法創造可供循環的、銀幕辨識度高的演員，電影就更不容易賣，這是不是一個惡性循環？

舉個例子來說，舒淇去年表演頻率很高，很多片子都找她，但給人的整體印象是重複性太高，記得她、卻記不得她演什麼電影。侯孝賢用過她，我個人也認為舒淇很有魅力，可是這些魅力顯然沒有轉化成表演技巧或表演能量。侯孝賢有沒有幫到忙？侯孝賢什麼時候很成功地塑造一個明星過？他似乎是那種會從演藝圈裡選一些有一定知名度的人，有時候去企圖去翻轉一個既有的形象，有時候則是利用他既有形象。伊能靜跟舒淇的例子都是這樣，舒淇的電影我看的很少，所以這次看片時我還滿期待的，不過結果是失望的，她在所有的電影都是同一個樣子，而且連基本的類型選角（Type casting）都算不上，我不知道那些愛用她的導演在幹什麼？他們有沒有作足功課？如果不去開發演員、不去調教演員，那就只是壓榨利用，這樣資源是很快會枯竭的。用了這一次可能就不會有下一次了。

這是我在今年金馬獎評審過程看到的一個普遍現象──選角情況跟技巧糟到一個不知怎麼說的地步。看起來像是採用一種很廉價、很便宜行事的方式去選角，用一些不太有名的偶像。也就是說，負責選角的人好像只是想搭個偶像的便車，找一些不是太有名、大概也不會太貴的偶像演員來演出，而他們的表演都一樣，很糟，沒有深度、沒有內涵，不要說表演層次，大部分的時候連一點魅力都沒有。在這樣的情況下，你要把這部電影賣到哪裡去？你以為可以靠這群不太有名的偶像，吸引他們的粉絲來看電影嗎？他們的粉絲就是你要的觀眾嗎？如此而已，沒有更大的野心了？他們在選用這些「偶像演員」的同時，給自己的作品的定位是什麼？

我認為導演跟演員是一起工作的夥伴關係，儘管電影可能比較複雜。台灣電影的演員陣容可能沒有好萊塢那麼專業，有獨立的選角導演。但有一種狀況可能是：導演有比較高的決定權，像《色‧戒》，導演很清楚自己要用什麼樣的演員、可以把他用到那個方向去。他對於角色的掌握、對於表演的掌握，甚至他知道在操作上可以操作到什麼程度。例如王力宏的演出，我覺得那是一個聰明的選角，他的角色就是一個業餘的表演者，所以他本身的表演跟那個角色是可以搭在一起的；另外王力宏對整個華人社群有著明星光環的吸引力，所以可以允許一個不專精表演的偶像進來，李安清楚自己要拉什麼票房，王力宏的票房效應是有意義的。

從李安的《十年一覺電影夢》可以知道，他是一個非常懂得電影工業的人，做電影研究的人要去看見整體，不能腦袋死死的只看電影本身。我聽說台灣電影圈裡有些人對李安在好萊塢的歷練很不以為然，這讓我有點驚訝，不知道為什麼會這樣？好萊塢是大家的原罪嗎？但我認為，他在那種環境被操練的經驗，讓他非常世故地知道電影工業的操作手法。我甚至認為他為《色‧戒》講的每一句話都世故極了，分寸拿捏得很好，連我都願意相信他，就像王力宏的角色，用這樣的偶像是有加乘效應的，而且這個演員、這個人、這個明星，你可以看到他接受了導演的方法和引導，雖然還沒有成熟是真的。湯唯是另一個例子說明導演調教與調度演員的能耐。仔細看湯唯在《色‧戒》裡某些鏡頭還是有一些生澀感，可是很OK，為什麼？因為她在裡面本來就不是演一個很成熟的角色，她不是川島芳子，她只是一個學生昏了頭自己跑去當特務，她的表演就再恰當不過了，所以她的那種生澀會變成一種很「生猛」的表演，恰當表現出角色性格裡搞不清楚狀況的一種生猛！

我今天看到台灣電影的狀況，好像是這兩者皆輸，既沒有表演層次的創造能力、也沒有製作層次的票房魅力。《不能說的秘密》也許比較令人注意，它的故事本身還有一定的新鮮感，雖然到最後有些邏輯不清的地方，拍攝團隊組合都還算是一時之選，攝影師很好，演員可能不會表演，但是女演員是有一定的知名度，一個導演第一次拍出這樣的電影已經不錯了。每個導演可以有自己的定位，票房的、藝術的。今年有些電影似乎還掌握不住自己的路線，看起來像是想走票房，偏偏找到的是一些會拖垮片子、又不會增加票房的偶像，壞了品質也壞了票房。

人氣是什麼？選角之時，人氣可能是指演員吸票指數；參賽之時，人氣可能是經紀公司炒作或媒體製造新聞的意願指數。兩者都跟表演成績如何沒有必然關係，對吧？金馬獎該鼓勵的是什麼？關於桂綸鎂，以表演頻率而言，她今年有好幾個片子，這麼多人找她拍電影一定有原因。我不能代表其他評審發言，但如果我們可以做個立即的民調的話，可否告訴我，你們所理解的桂綸鎂是什麼樣的演員？她被包裝成怎樣的公共形象？有種選角方式是「類型選角」，她的type是什麼？她是屬於偶像的呢？或是她被理解為有內涵的表演？

屬於偶像、氣質清新那一型

如果你們接收的訊息是對的，那我接受的訊息就是錯的。姑且不論她實際表演成績，我之前所接觸到的宣傳印象裡，以為她是屬於那種有表演天份、卻還沒經過訓練的人。這是我的問題？還是你們的問題？還是那些企圖製造明星的人的問題？

駱佳煒才九歲，但他的表演真的很強。鄭宜農、彭于晏處在差不多的地方，我不覺得今年有很多人注意到鄭宜農，《夏天的尾巴》就是一個女生演自己，大概有點像桂綸鎂當年演《藍色大門》那樣的說服力吧。《夏天的尾巴》當然不是賣明星，而是她自然不做作的方式，也許還談不上演技，但至少她在面對鏡頭不會很羞澀，一個青少年演青少年可以這麼地不生澀、不做作，是一件很難的事情，這就把電影烘托的滿有味道的。從鄭宜農我們看到了對一個新人來講很不容易的事情，可是新人獎就是新人獎，並不是每個新人都可以像湯唯這樣子幸運，有這麼好的搭配條件，以致於評審們發現電影公司幫湯唯報新人獎人選的時候，很多人都在問：她真的是新人嗎？

《夏天的尾巴》也有其他的青少年演員、今年有很多電影都是跟青少年、西門町有關，我覺得演好青少年不簡單，很多人都是「過度表演」，但是偶而你就會看到有些演員真的是一塊璞玉。像《意》那電影就是，駱佳煒一點都沒有一般童星被教壞了的演法，而是極為含蓄內在地去表現。他的戲份相當重，整部電影都是從他所扮演角色成年後的回憶為敘事觀點，可是他的表演一點都不是過度後設的那種冷眼旁觀，而是表現出他很不理解自己母親（陳沖角色）的心態與作為，而產生一種如旁觀般的冷漠甚至失望而無可奈何。對大家來說，《意》是一個很陌生的作品、陌生的團隊、陌生的編劇，知名度很弱，可是那個片子以及裡面的幾個演員是真的很有說服力、真的非常好。

澳洲片《意》裡陳沖表現非常棒，是我個人看過陳沖最好的一部作品了。今年很多台灣電影裡的角色在心理上都有憂鬱傾向。《意》的女主角更嚴重，但這部電影從頭到為沒有任何一個台詞影射那個角色是個「有疾病的人」，可看完之後，我自然覺得她真是一個典型躁鬱症患者：狂躁的時候極度花枝招展、搔首弄姿，抑鬱的時候不斷自殺、讓兒女整天處於恐懼的邊緣。無論是躁鬱或憂鬱或是任何氣質都不是標籤或符號，它只是角色的部份特質，而角色是需要演員以技巧與情感去豐富它、體現它、讓它立體起來的，然後就可以自然而然地說服觀眾，而不是耍大旗那樣去嘶吼、或揮國旗那樣作態，深怕觀眾是笨蛋看不懂他在演什麼──演員要演的是一個有某些特質的人物，不是擺擺模型標本。憂鬱就得眼神呆滯頭髮散漫嗎？瘋子就一定是花插滿頭光腳拍手嗎？回頭講《意》，它處理的文化場景非常有趣：一個出身大陸的中國女人帶著兩個小孩浪跡洲際，待過香港，曾在新加坡類似紅包場的地方駐唱過，認識許多男人，從一個男人流浪到另外一個男人，在和一個澳洲水手談戀愛後，跟著他到了澳洲，可是水手馬上又要上船離開了，好久好久以後才會見面，把女主角和她的兩個子女留給他自己的老媽媽。結果，陳沖飾演的這個女人錢用完了，回頭去找澳洲華人圈子謀生。

女主角的文化背景如此複雜－－新加坡、香港，唱國語老歌，而本身是中國大陸出身，又有澳洲的英文背景。你很難在華人圈子找到一位像陳沖一樣文化經驗這麼豐富、這麼多元的人。在片子裡，她用英文演那個角色時，代表她在跟小孩子或者是澳洲環境溝通的狀態，用的是簡單、不完整的句子；使用廣東話的時候，便呈現出她比較世故的、外交性的樣子，她必須靠這個華人圈子來滿足她的虛榮心；用國語表演的時候，則都是非常直接、內心深處的東西。她擺脫了以往的性感形象，雖然她的角色還是個喜歡賣弄美色來換取男人，可是她有深度太多了。劇情發展到後來她連唱歌都沒辦法，只好去洗盤子，不施脂粉、很邋遢地洗盤子，把那個角色的瞬息萬變、難以捉摸，包括心裡、經驗、文化都很複雜的情況下，演得很好、很深刻，很替她很高興可以把這個角色演得這麼好，這種文化衝突性是在華語電影裡面還沒有看到的，也是今年意外的驚喜。

另外有個遺憾，就是作為初選評審，我竟然在提名時錯過了提名樊光耀競逐『最佳男配角』。樊不是電影圈人，他最為人所知是eBay拍賣網站《蟠龍花瓶篇》裡打破太太花瓶的唐先生。他在《色‧戒》裡演情報頭子易先生的屬下一角，幾句台詞、幾個眼神，就把情報圈裡互相監視、互不信任的氛圍下，身為屬下又像監控者的角色表現得極好，也把那樣的時代情境烘托的極有說服力。同為劇場人，當然以他的表現為喜，但可能是電影公司報名時沒有報他，我雖注意到他，最終還是忘了主動提名讓他競逐入圍人選。他也是讓我印象深刻卻又遺憾的一例。

前面兩個問題我都沒有辦法回答，第一，我不是電影導演，因此不知道一個合格的電影演員應該要怎樣，第二，我不懂電視劇拍攝，也不知道他們工作文化。這三種媒體的演員可能來自不同的訓練，但基本上應該都要有同樣的強度，可是目前台灣電影的表演太弱，電視表演很恐怖，劇場有些很好的演員，少數有機會回饋電視劇，但仍有不少電視電影人對劇場存有「跨張」這樣莫名的偏見與刻板印象。無論如何，這三者目前成熟度不同，基準不同，我無法比較。至於好的電影演員，不只取決於技巧，還跟「製造明星」這套方式很有關，非常複雜。當然，一個演員要受到獎項的認可，除了銀幕親和力與辨識度以外，還必須要有基本的表演方法技巧、要能夠去豐富跟創造角色。但今天我在台灣演員裡面看不太到這種人，就算比較有知名度的、或大家比較熟悉的所謂的明星，我也想問一句──那有多熟悉？我對於現下台灣電影裡所謂的明星或好的大銀幕演員，是比較保留的。

當然明星的誕生需要一個栽培他們的系統，今天電影工業的結構改變，華人電影圈的電影製作顯然看起來已經崩解了，如果它是崩解的狀態，就比較難有系統地去栽培電影明星。我當然不是電影工業的專家，但在審片時就看不太清楚台灣、華人電影公司的制度，電影公司真多啊，而且一部電影好幾個公司，不懂。可是就像剛才說的，除了電影工業的制度運作問題，還有基本功的問題。當資源不足困難時，是否可以在一定的品質上要求？如果我們資源不足，難以找到殺手級的巨星來撐住這個工業，那麼是不是可以從基本功的培育下手，好好養成具有表演素質的演員？自從二林二秦的時代過去以後，台灣的娛樂圈好像就陷入一種莫名的明星恐慌症，瘋狂地製造一群沒有魅力、讓人記不住長像的偶像，任隨表演的基本功荒廢。隨便舉個例子好了，目前台灣電影演員的諸多基本問題之一是：「聲音表演」很糟很糟，聲音沒有表情、沒有個性、沒有感情層次，連基本的發聲技巧與發音訓練都有問題。早先配音的年代已經過去了，現在也沒有人拍默片了吧？那麼，一個有聲電影的演員還有什麼藉口不會「聲音表演」？也許觀眾太習慣依賴字幕而不察覺，但你試著遮掉字幕，就會發現很多演員講話根本聽不懂，或讓人聽不下去。

我是一個劇場導演，雖然玩過一點點影像，但沒拍過一整部電影，這次只是以一個局外人做一個觀察，實在沒有什麼資格對電影導演說什麼、或對他們訓話。勉強只能站在一個觀察的位置聊聊。我想台灣電影的創作者可能必須弄清楚的是自己想幹嘛？要賺票房？還是讓你的電影在有限資源上有一個起碼的成績？目前整體生態環境那麼糟，顯然很難票房、品質兩全，那要不要做個選擇？（我說的品質，是針對今天的主題──表演，不包含其他很多需要錢的品質，像是燈光、錄音等等）我今天看到的情形是，大部分兩者皆輸。《不能說的秘密》可能比較例外，它或許在票房上是有意義的，製作團隊看起來對自己有比較清楚的策略。這並不是說我建議大家都如法炮製，都該去想票房。但如果環境這麼困難，是不是要做個選擇？先把一個層面作好、再來調整另一個層面；可不可以先讓演員把戲演好把電影拍好，再來策劃票房？除了找不會演戲的偶像，可不可以挖掘會演戲、但還沒有群眾熟悉度的專業演員，培養他們成為電影演員？如果沒有明星，至少要有演員吧？或者順序倒過來？也許我太天真了，但總不能兩邊都想要卻兩邊都輸了吧？你必須知道自己要幹什麼。

另外，我認為台灣電影編劇很不會說故事，內容有太多個人式愁悶。以這次評審的去年台灣電影而言，我覺得台灣的電影人都生病了，大家都有很嚴重的憂鬱症，幾乎每部電影都散發憂鬱氣息，或以憂鬱症為主題，可是又說不清楚到底是對什麼東西憂鬱？台灣人普遍很憂鬱，這可以是一個很大的命題，但創作的人不能毫不自覺地把它個人化到極致，讓觀眾看完之後覺得這是你個人的問題，跟我沒有關係？這樣是不會引起觀眾的同情跟同理心的。解嚴二十年，早已沒有什麼禁忌，台灣電影卻什麼都說不出來，這是社會問題還是電影問題啊？說來可笑，台灣劇場環境多爛？可是我一個月之內看了八十部電影（其中大約七分之一是台灣電影）之後，我的感想竟然是，台灣劇場好有希望，比電影有希望太多，至少我們沒有強說愁，關起門來搞憂鬱，丟給觀眾一個莫名的疏離感。唉，我是不是應該高興我是劇場導演不是電影導演，因為我有好演員，他們沒有？



（圖片出處：創作社劇團、photowant.com以及Brigitte Lin’s Unofficial Web Site）